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Norma Angeleri

Norma Angeleri

Directora, actriz, directora de casting, coach actoral y docente.

Sus primeros trabajos y durante varios años, fueron como ACTRIZ, formándose con maestros como Raúl Serrano, Saulo Benavente, Fedora Aberasturi, Roberto Villanueva, Laura Yusem, Cristina Moreira, María Herminia Avellaneda, Pepe Costa, Mauricio Kartun, entre otros.

Varias de sus interpretaciones en Teatro, TV y Cine, son reconocidas con premios y menciones.

En 1990, su carrera como actriz da un giro y realiza como DIRECTORA su primer cortometraje, “Vacío Interior”, obteniendo la primera mención en el Festival “La mujer y el Cine “de Buenos Aires.  Otros trabajos como realizadora son: “La Fuerza del reencuentro” con Andrea Bonelli, “Ruptura” con Julieta Díaz.

“Elegía a mi mismo” Video- poema.  1er. Premio en el Concurso “Enrique Molina” de La Fundación del Libro.

“Alfonsina, work in progress de un largometraje, en etapa de desarrollo del proyecto.

Documental sobre “construcción del personaje a partir de la neutralidad”.

Además de cortometrajes, comienza a dirigir video clips, institucionales, documentales y back stage de largometrajes, entre ellos: “Buenos Aires, Ciudad contaminada”, obteniendo mención en el Festival de cine de Toulousse, y “Silencio, Acción” back stage de “Un muro de Silencio”, largometraje dirigido por Lita Stantic.

En 1995 es convocada por Fernando Spiner para realizar la coordinación artística de “Poli ladrón”, comienzo de Pol-Ka, productora argentina. También junto a Spiner, realiza la dirección de casting y asistencia de dirección actoral, de la miniserie “Bajamar, la costa del silencio”, producida por Teresa Costantini, y del largometraje “La Sonámbula”.

A partir de ese momento comienza su carrera como DIRECTORA DE CASTING, participando en películas de Fernando Trueba, James Ivory, Lucía Puenzo, Albertina Carri, Roland Joffe, Emanuele Crialese, Marco Rissi, Rodrigo Capriotti, , Héctor Babenco , Lorena Muñoz, Eugenio Zanetti,  Jordi Frades, Alejandro Agresti, Walter Salles, Luca Manfredi, Monica Vullo, Aldo Papparella,  Mariano Galperín, Sabrina Farji, Paula Hernández, Sergio Belloti, Marcos Loayza, Fernando Spiner, Beda Docampo Feijoo, Diego Rafecas, Alejandro Chomski, Fabian Hoffman, Boy Olmi, Fernando Musa, Pablo Meza, Gastón Biraben , Alejandro Maci.

En teatro: Robert Sturua , Alejandro Tantanian, Lía Jelin, Guillermo Heras, Vicky Lagos,   Hugo Urquijo,

DOCENCIA:

Desde el año 2011 a la fecha, EICTV, San Antonio de los Baños. Cuba. Taller en Altos Estudios Dirección de actores y Puesta en escena.

Con su metodología “Construcción del personaje a partir de la neutralidad, CPN ¨ dicta clases en Medellín, Bogotá, EICTV,  Cuba, Uruguay, Ecuador, Madrid, París, Roma, CIEVYC Buenos Aires, Córdoba, Rosario

Desde el año 1997 al 2004 se desempeña como docente titular de la cátedra de Dirección de actores en CIEVYC

Desde el 2004 a la actualidad, dicta los Seminarios de dirección de actores y actuación en su estudio “La casa”

En TEATRO dirigió:

“LA NOCHE QUE CONOCI A MI HERMANA”. DE Alberto Rojas Apel en Microteatro.

PERVERSIONES MODERNAS” DE Alberto Rojas Apel en Microteatro.

“QUIEN ES SILVITA” de E. Maristani con Lalo Rotaveria y Denise Yañez. Microteatro.

“APROXIMACIONES A SHAKESPEARE” adaptación de textos de W. SHAKESPEARE; con Estanislao Milicich, Denise Yañez , Raul Guinovart y Marina Bazzolo. Subsidio INT y seleccionada por el Festival de Teatro Clásico de Buenos Aires 2018.

“SANGRE EN LAS VENAS” de Alberto Rojas Apel, con Barbara Masó y Andrés Ciavaglia . Microteatro

ACTRIZ

Fue dirigida por Cristina Moreira, Ruben Szumacher, Susana Toscano.

Roberto Habbegger, Miguel Iriarte, Andrés Zubov, Carlos Carusso, Pepe Costa

Fernando Spiner, Gerardo Mariani, Oscar Barney Finn, María Herminia Avellaneda, Jorge Maestro, Sabrina Farji,  Osvaldo Andéchaga, Luca Manfredi, Mónica Vullo.

Integrante fundadora de “LA BANDA DE LA RISA” junto a Claudio Gallardou y elenco.

Asesora de casting en el teatro San Martin de la Ciudad de Buenos Aires, CTBA -2011- 2017.-

 

 

 

 

 

 

 

Libros para guionistas

Libros para guionistas

libros de guión

Como toda persona interesada en la escritura cinematográfica sabe (o debería saber) hay dos pilares fundamentales a la hora de desarrollarse como guionista: practicar y aprender de quien ya sabe.

La necesidad de practicar poca gente lo pone en duda. Y quien lo hace es quien no escribe y, por lo tanto, no comprende la importancia de tener engrasada la maquinaria mental. Más adelante publicaremos una entrada con recomendaciones para organizarse al escribir, ya que muchas veces el fallo no es otro que la organización.

Pero hoy nos centraremos en el segundo pilar: aprender de quien ya sabe.

Aunque nuestra primera recomendación siempre va a ser que asistas a un curso donde tengas a tu docente guiando y corrigiendo tu desarrollo de manera personalizada, en esta entrada te vamos a recomendar manuales y libros que nos parecen interesantes. Para ti o para regalárselos a alguien.

Las paradojas del guionista: En esta obra, Daniel Tubau desmonta muchos de los tópicos que rodean el mundo del guión. Y lo hace rehuyendo las fórmulas magistrales y buscando más las excepciones que las normas, ya que las grandes recetas dogmáticas suelen dejar fuera los aspectos más interesantes de la narración cinematográfica.

El espectador es el protagonista: También de Daniel Tubau. Desde hace décadas los guionistas han examinado la estructura de sus guiones pensando en las cosas que pueden sucederle al protagonista. El autor plantea que lo que realmente debe preocupar a un narrador es lo que le sucede al espectador.

Cómo escribir diálogos para cine y televisión: De Javier Fonseca. Este libro es el primero publicado en nuestro país específicamente dedicado a los diálogos de la ficción audiovisual: de dónde vienen, cómo son, cómo se relacionan con la imagen, cómo se cocinan.

Cuéntalo bien: De Ana Magallón. Este libro habla de las claves y secretos que hacen funcionar o fracasar a las historias. Mucho de lo que se dice es aplicable al teatro, a la novela y sobre todo a los guiones cinematográficos. Pero, ojo, esto no es un manual de guión al uso. Obviando los tecnicismos, y a través de sencillos ejemplos sacados de la vida cotidiana, las leyendas urbanas o el saber popular, “Cuéntalo bien” reivindica el sentido común como herramienta fundamental para entender y utilizar mejor las técnicas narrativas en la escritura de guiones y cualquier otro tipo de relato.

¡Salva al gato!: Blake Snyder, uno de los guionistas de más éxito de Hollywood, ofrece una pintura ágil, divertida y franca de la trastienda de la industria cinematográfica. “¡Salva al gato!” hace referencia a una de sus infalibles teorías para lograr que las ideas resulten más atractivas y cualquier guión más satisfactorio y, sobre todo, susceptible de venderse. Especializado en comedias americanas.

Cómo orquestar una comedia: De John Vorhaus. Obra eminentemente práctica que ofrece todos aquellos recursos imprescindibles para emprender la redacción de una comedia de forma eficaz.

El guión para series de televisión: VV.AA., coordinado por Manuel Ríos, profesional con más de veinte años de trayectoria. El libro va dirigido tanto a guionistas que empiezan y desean conocer todos los pasos que hay que seguir para escribir un guion desde el principio, como  profesionales, a modo de reflexión y puesta al día sobre la profesión.

En inglés

Into the Woods: Del guionista de la BBC John Yorke. Se han escrito muchos libros sobre guión y narrativa, pero pocos se preguntan “¿Por qué?”. ¿Por qué contamos historias? ¿Y por qué las historias suelen funcionar de una forma parecida?

Por supuesto, hay muchos más, pero estos nos parecen un buen punto de partida para la biblioteca de cualquier guionista. A partir de aquí podrás encontrar manuales de géneros específicos, movimientos cinematográficos y temáticas concretas que seguro que te interesan.

 

Y si quieres algo más completo, recuerda que el nuevo año trae nuevos cursos a La Factoría.

 

 

Glosario para guionistas

Glosario para guionistas

Tira cómica de Mafalda, realizada por el maestro Quino © Quino

Quino

Abre a: Anotación que indica que se empieza a ver una escena cuyo sonido empieza sobre negro o blanco. En el guión, se escribe pegado al margen izquierdo.

Acting: Gestos y movimientos que hace un personaje. Todo lo que el actor o la actriz hace que no sea diálogo, incluyendo la gesticulación al hablar.

Anagnórisis: “Darse cuenta”. Recurso narrativo que consiste en el descubrimiento por parte de un personaje de datos esenciales sobre su identidad, sus seres queridos o su entorno, ocultos para él hasta ese momento.

Analepsis: Ver “flashback”.

Antagonista/oponente: Personaje, grupo de personajes o institución, que interviene en una historia, y que representa la oposición a un protagonista.

Arco dramático de personaje: Transformación de punto de vista y actitud que sufre un personaje desde el comienzo hasta el final de la historia.

Arquetipo: Imágenes simbólicas comunes en la psique humana. Aunque un arquetipo puede ser cualquier cosa, como la lucha de la oscuridad contra la luz, o el bien contra el mal, solemos usarlo para referirnos a los personajes. Por ejemplo, existen los arquetipos del embaucador, el mentor, el héroe, etc. Hay que tener cuidado de no convertirlos en un cliché.

La analista cultural Anita Sarkeesian nos explica la importancia de evitar los clichés. En este vídeo analiza el cliché de "Manic Pixie Dream Girl".

Congelados: En programas de televisión, piezas válidas en cualquier circunstancia. Sketches que pueden grabarse, montarse y dejarse esperando para cuando un programa quede corto o haya un imprevisto.

Cortamiel: Este recurso se usa especialmente en la comedia. Cuando hay una emoción intensa, para no salirnos del tono de comedia hacemos que algo vaya mal de forma cómica. En las comedias románticas, por ejemplo, antes de un gran beso pueden chocarse contra algo, derramar el café, etc.

Detonante: También denominado catalizador o inciting event, constituye la premisa dramática, es decir, se refiere a un suceso que afecta al protagonista, produciendo un cambio que va a definir el conflicto a resolver a lo largo del guión.

Deuteragonista: Segundo personaje más importante de una obra,​ después del protagonista.

Diegético o intradiegético: Que está dentro de la historia. Se suele usar para los sonidos que los personajes oyen, como un portazo, un instrumento tocado por un personaje, etc. Antónimo: ver “extradiegético”.

Liza Minelli cantando "Mein herr", en la película "Cabaret". El sonido es intradiegético.

Dramedia: O comedia dramática, es un estilo de televisión y cine en el cual hay un balance igual o similar entre el contenido humorístico y el dramático.

Efecto Rashomon: Plantear diferentes puntos de vista del mismo hecho. Viene de la película “Rashomon”, de Kurosawa.

Efecto Rashomon
Machiko Kyô en “Rashomon”

Error trágico/amartía: Término aristotélico. Error que comete el personaje y que desencadena el drama.

Escaleta: Estructuración de la totalidad de la obra usando el encabezado de escenas pero sin los diálogos y con un contenido resumido, con el fin de dar una idea de lo que será cada escena.

Extradiegético: Que está fuera de la historia. Por ejemplo, los sonidos que los personajes no oyen, como la música de la banda sonora que se superpone a las escenas o las risas enlatadas.

En esta escena de "Drive" se oye una sirena al principio, que es intradiegética, y justo después empieza la canción "Nightcall", de Kavinsky, que es extradiegética.

Fade in: Ver “Abre a”

Flashback: También llamado “analepsis”. Escena retrospectiva. Traslada la acción al pasado.

Flashforward: También llamado “prolepsis”. Escena prospectiva. Traslada la acción al futuro.

Idiolecto: Forma de hablar característica de un personaje.

In extrema res: O “in extremis”. Entrar en la escena en su punto final o cerca del final. Nuestro primer contacto con esa historia o parte de la historia es el tercer acto, y a partir de ahí se reconstruye.

In media res: La narración comienza en medio de la historia, no vemos el inicio.

Jim Carrey en "Te quiero, Phillip Morris". SPOILER: El comienzo de la película juega a que creamos que estamos in extrema rex, cuando en realidad estamos in media res.
Jim Carrey en “Te quiero, Phillip Morris”. SPOILER: El comienzo de la película juega a que creamos que estamos in extrema rex, cuando en realidad estamos in media res.

Logline: Frase-gancho. Es la frase que hay que tener clara cuando queremos presentar un proyecto, lo que distingue nuestro guión o biblia del resto.

Mapa de tramas: En series, documento en el que están planteados los puntos clave de todas las tramas de una temporada.

Mesa italiana: Zona y momento de trabajo conjunto entre guionistas y actores/actrices.

Metalenguaje: Uso del lenguaje del medio audiovisual para contar algo que no está en la historia. Por ejemplo, el uso dramático de la cámara lenta.

Milking: Ordeñar. Hace referencia al aprovechamiento integral de algún objeto que aparezca en escena.

Mimético: Que se muestra. Lo que se ve explícitamente en pantalla.

Pay off: Recolección del planting. Momento en el que se desvela la importancia del mismo.

Pez fuera del agua: Personaje que no está en su entorno. Por ejemplo, una cantante de casino en un convento, como en Sister Act.
Estos personajes se usan con dos fines principales: como personaje cómico (en el ejemplo anterior) o para servirnos como excusa para dar explicaciones, ya que este personaje no entiende lo que pasa a su alrededor o no tiene información suficiente.

Pitch:  Presentación concisa de una idea para una película o serie de televisión, generalmente hecha por un guionista o director a un productor o ejecutivo del estudio, con la esperanza de atraer financiación de desarrollo para costear la escritura de un guión. Se suele decir que no puede durar más que un viaje en ascensor.

Planting: Elemento que aparece en escena presentado como poco relevante, cuyo peso o significado dramático será revelado en un momento posterior de la historia. El momento en el que se muestra su relevancia se llama “pay off” o “recolección”.

Premisa cómica: Diferencia entre la realidad cómica y la realidad de verdad. La comedia surge en ese hueco.

Una de las premisas cómicas del señor Burns es que es una persona ridículamente anticuada y no parece ser consciente de ello. Sigue pensando que puedes hacer un montón de cosas con 5 centavos.

Primer punto de giro: El que nos permite entrar en el segundo acto. Se da cuando el personaje se embarca en la aventura.

Prolepsis: Ver “flashforward”.

Pulso: Cada uno de los avances de la trama. No son escenas, pero cada escena o grupo de escenas pertenece a un pulso.

Raconto: Flashback grande. Por ejemplo, prácticamente toda la película de Titanic es un raconto, ya que es Rose contando la historia.

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Running gag: Chiste que se repite. Por ejemplo, Steve Urkel causando un desastre y diciendo “¿He sido yo?”.

Segundo punto de giro: Acontecimiento que gira la trama hacia el desenlace.

Sexposición: Explicaciones dadas en una cama o mientras hay personajes desnudos o manteniendo o insinuando sexo. Las personas expectadoras suelen prestar mucha atención a lo visual y dejan de ser conscientes del exceso de información. Se puede ver varias veces en Juego de Tronos.

Show runner: Persona que coordina el equipo de guionistas.

Sidekick: Personaje que acompaña y ayuda al protagonista. Por ejemplo, Robin es el sidekick de Batman.

Sinopsis: En una sinopsis se tiene que narrar lo que pasa en la historia en menos de una página, presentando y describiendo a los personajes, contando el arco de la historia, los giros y la evolución.

Sobreimprime: Anotación que se hace a la izquierda en un guión. Lo siguiente se escribe en mayúsculas y entre comillas. Se usa para carteles: título de la obra, paso del tiempo (ej: “TRES MESES DESPUÉS”), ETC.

Storyboard: Relación de dibujos de los planos y escenas previstos. Es un documento que se usa para planificar el rodaje.

Storyline: Resumen del conflicto central de un relato. No debe tener más de cinco o seis líneas. Hay que contar el detonante, cómo evoluciona la trama y el personaje, y cuál es el final de la historia.

Superobjetivo: Este es el término que usa Stanislavski, pero otros autores lo llaman “Objetivo”. Es lo que, en última instancia, quiere el personaje. La pregunta que debemos hacernos para determinar el superobjetivo es “¿qué quiere/necesita el personaje?” y “¿qué se propone?”. Hay que distinguirlo del motivo: “¿Por qué lo quiere?”

Tag: Último chiste en una comedia que funciona como última vuelta de tuerca. Puede estar antes o después de los créditos, pero tiene que estar relacionado con la trama. Si es un chiste extra fuera de la trama, no es un tag.

Talkie: Exceso de información en los diálogos.

Tratamiento: Desglose de una película o serie que consta de una o varias, dependiendo de la densidad de la secuencias y de la historia. El guión convertido en relato corto.

Teoría de la iluminación: Del novelista Henry James. Consideraba el personaje una zona oscura y la persona que narra decide qué partes quiere iluminar. Estas zonas se iluminan no solo por lo que vemos sino por la mirada de otros personajes.

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6 Buenos consejos para guionistas

6 BUENOS CONSEJOS PARA GUIONISTAS

consejos para guionistas

Aunque cada guionista va elaborando y mejorando su sistema a lo largo de su vida, nunca está de más saber qué cosas les son útiles a otros, especialmente si esos otros tienen más rodaje que nosotros.

Por esto mismo, hemos reunido aquí los consejos para guionistas de algunos de nuestros profesores, cada uno especialista en su campo, para que te asegures de crear historias y personajes sólidos.

1.- Pedro Loeb

Nuestro director y profesor de los Cursos de Guión Intensivo y Avanzado insiste en que no se espere a la inspiración para ponerse a trabajar.

Hay que convocar los estados del alma”, dice, y alienta a cada uno a buscar su propio camino para conseguirlo: cambiar de ambiente, nutrirse de otras formas de expresión artística leyendo, viendo distintos tipos de cine, yendo a exposiciones, etc. Si nos bloqueamos con una historia podemos pasar a otra o tomar un descanso, pero no debemos acostumbrarnos a esperar a tener una idea brillante para ponernos a escribir.

 

2.– Ángela Obón

La profesora de nuestro Curso de Guión de Comedia lo deja bien claro: “Al escribir comedia, la perspectiva cómica (la visión particular de la vida del personaje, lo que lo hace singular) debe ser llevada al límite. No basta con que un personaje sea un poco inocente, debe ser realmente inocente. El resto de las características tienen que ser más moderadas. Es decir, la perspectiva cómica se exagera y lo demás se balancea”.

Es uno de los errores habituales de algunos guionistas al escribir comedia: queremos construir personajes que sean lo más en todo: el más torpe, el más sarcástico, el más desafortunado… Y nos queda un personaje poco definido y sin auténtico potencial cómico.

 

3.- Javier Fonseca

En sus seminarios de diálogo, Javier insiste en la importancia de evitar que los personajes hablen demasiado o sobreexpliquen el conflicto. Los diálogos deben ser cortos y significativos.

Una buena costumbre de todo guionista que se precie es, al tener un diálogo ya escrito, buscar las líneas prescindibles y eliminarlas. A veces, el silencio explica más y queda mejor.

 

4.- Sonia Gómez

La profesora de nuestro Curso de Guión de Series de Televisión propone una serie de preguntas para revisar nuestros diálogos:

1.- ¿Es creíble?: Así comprobamos la verosimilitud.
2.- ¿Sirve para nuestro objetivo?: Nos aseguramos de que sea funcional.
3.- ¿Es especial?: Debemos buscar la singularidad de cada diálogo.
4.- ¿Es breve y conciso?: Los diálogos en los que se habla mucho y no se dice nada perjudican al ritmo narrativo.

 

5.- David Planell

Nuestro profesor de Dirección de Actores y Dirección de Cine nos da un consejo para guionistas y para directores: “Hay que tener en mente la emoción que queremos generar en el espectador”. Y esto no lo da solo el qué está pasando, sino también el cómo está pasando. Dado que no podemos explicar directamente lo que esperamos que el espectador sienta, debemos generar un clima que propicie la emoción que buscamos.

 

6.- Carlos Bianchi

Nuestro profesor del Curso de Guión de Series de TV y de Webseries y Series de Bajo Coste nos recuerda que la historia y la personalidad de nuestro personaje deben estar interconectadas: la historia debe servir para ir revelando poco a poco las diferentes caras de la personalidad, pero esta a su vez debe ser modificada por la historia. Nuestro personaje no puede ser el mismo al principio que al final, sino que debemos asegurarnos un arco dramático que modifique quién es.

 

Esperamos que estos consejos para guionistas os sirvan. Y recordad, el último y más importante, el lema de La Factoría:

Cuanto más se escribe, mejor se escribe.